Portada 9 veces en las que la cultura gay se volvió mainstream
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9 veces en las que la cultura gay se volvió mainstream

9 veces en las que la cultura gay se volvió mainstream

La CULTURA GAY ha conquistado el mainstream muchas veces: ¿cuál es tu favorita?

¿Con qué frecuencia se les ha dicho a las personas LGBTI que necesitan “bajar el tono” si quieren el éxito del mainstream? ¿Qué pasa con esos casos en los que no bajaron el tono? ¿O cuando algo dirigido al público gay llegó muy lejos? A continuación se presentan algunos ejemplos.

Tom Of Finland era el seudónimo del artista finlandés Touko Laaksonen (1920-1991). Laaksonen comenzó a dibujar su arte homoerótico como hobby privado. Comenzó a enviarlo a revistas gays underground y a publicaciones físicas a finales de la década de 1950, utilizando su nombre de pluma elegido.

Sus imágenes de motociclistas, leñadores y soldados sexy, sonrientes, resultaron ser muy populares.

Los hermosos dibujos de Laaksonen representaban un ideal masculino hiper-realizado. Sus hombres a menudo tenían penes y músculos superagrandados. Presentaron un alegre, despreocupado y desvergonzado retrato de la homosexualidad que muchos hombres gays no habían visto antes.

También fueron desinhibidos en su descripción de los hombres que tienen relaciones sexuales entre sí.

Laaksonen se trasladó a los EE.UU. más tarde . Murió en 1991, pero su fama ha seguido creciendo. En 2014, su país natal, Finlandia, celebró su atractivo mundial con la emisión de una serie de sellos con sus obras de arte. ¿Qué mejor significante para la aprobación de un establecimiento?

Aunque algunos grupos cristianos en Finlandia se quejaron, los sellos pasaron a ser los más vendidos en la historia de la Oficina Postal finlandesa.

Julian & Sandy

Julián y Sandy era un segmento de comedia recurrente en el exitoso programa de radio de la BBC Round The Horne. El sketch, que se desarrolló entre 1965 y 1968, presentaba a los personajes Julian y Sandy (interpretados por Hugh Paddick y Kenneth Williams).

 

En una época en la que la actividad homosexual entre hombres era ilegal en el Reino Unido, ahora puede ser difícil entender cómo dos hombres homosexuales que se reían entre sí podían ser tan populares entre el público en general. Sin embargo, se convirtieron en los personajes más queridos del espectáculo.

Los actores, ambos gays, y los escritores, también tuvieron cuidado de no hacer que las figuras parecieran torturadas o trágicas (a diferencia de la película de Dirk Bogarde de 1961, Victim).

Julián y Sandy hablan entre sí en trozos de polari, el lenguaje gay secreto utilizado por algunos hombres gays británicos de la época. Trajeron palabras como ‘bona’ (bueno), ‘eek’ (cara), ‘naff’ (malo o monótono) y ‘fantabulosa’ (maravilloso) de los bares gay a las salas de estar británicas.

El público sabía que los personajes eran gays, aunque nunca lo hubieran dicho. Naff’ sigue siendo una jerga británica muy utilizada hoy en día, aunque quienes la pronuncian no sean conscientes de sus orígenes polares. Comenzó como un acrónimo de’No disponible para follar’.

Rocky Horror Picture Show

Escrito como musical por Richard O’Brien, el Rocky Horror Picture Show hizo su primera aparición en el relativamente modesto teatro de la planta alta de la Corte Real de Londres en 1972. Fue tanto un producto de la contracultura hippie de “amor libre” de la época como un homenaje a las películas de ciencia ficción y de terror de los años cincuenta.

El show fue todo un éxito en Londres y Los Ángeles. Llega al mismo tiempo que el glam rock y el Frente de Liberación Gay, cuando los roles de género ya empezaban a desdibujarse.

Una versión cinematográfica, protagonizada por O’Brien, Susan Sarandon y Tim Curry como el bisexual y ‘dulce travesti’ Dr. Frank’N’Furter llegó en 1975.

En él, Frank’N’Furter interpreta a un científico demente que se construye un hombre (‘Rocky’) y seduce a la joven pareja del sexo opuesto que busca refugio en su mansión una noche lluviosa.

La película fracasó inicialmente en la taquilla. Sin embargo, se convirtió en un elemento básico en las proyecciones nocturnas, cuando los aficionados empezaron a disfrazarse y a actuar en las escenas clave. Las proyecciones de películas continúan hasta el día de hoy, mientras que las producciones escénicas han seguido dando la vuelta al mundo.

Laverne Cox actuó como Frank-N-Furter en la adaptación de una película de televisión en 2016.

O’Brien ha dicho que ha explorado el género y la identidad a lo largo de su vida, revelando que en 2013 había estado tomando estrógeno durante los últimos diez años, afirmando que era 70% hombre y 30% mujer.

Village People

Village People se reunió en Nueva York en 1977. El vocalista Victor Willis cantó en el álbum disco Village People, creado por los productores franceses Jacques Morali y Henri Belolo.

El nombre proviene de Greenwich Village, uno de los puntos gays más importantes de la ciudad de Nueva York. El álbum tuvo suficiente éxito como para que los clubes empezaran a exigir actuaciones en vivo. El trío decidió formar una banda para acompañar a Willis.

Dada la atracción de la música para los gays, nació la idea de utilizar hombres disfrazados de fantasías machistas. Por lo tanto, el vaquero, el hombre de cuero, etc.

 

Village People puede haber seguido siendo una nota al pie de la discoteca si no fuera por el single de 1978, Y.M.C.A. Una oda codificada a las alegrías de pasar el rato en el Y.M.C.A (popular para los cruceros gays), la canción se convirtió en un éxito mundial.

En un momento en que ser abiertamente gay todavía no era posible, Village People evitó torpemente el problema – a pesar de que la mayoría eran gays (Willis es heterosexual). Siguieron otros golpes. Luego vino la extravagante película del campamento de 1980, Can’t Stop The Music. En él, Village People protagoniza junto a Steve Guttenberg y una pretransición de Caitlyn Jenner.

Para muchos espectadores de hoy, el clip de abajo les parecerá extraño. Sin embargo, representa el momento en que los años 70 se convirtieron en los 80, cuando la cultura gay amenazó con caer en la aceptación de la corriente dominante.

Sin embargo, justo cuando Village People estaba a punto de llegar a la gran pantalla, dos cosas hicieron descarrilar su carrera. En primer lugar, la música disco ha pasado de moda. En segundo lugar, el SIDA estaba a la vuelta de la esquina. Promover todo lo que se consideraba remotamente”gay”, especialmente en los Estados Unidos, se hizo difícil a medida que el mundo retrocedía con miedo.

Los éxitos se acabaron para Village People, pero varias formaciones de la banda siguen de gira hoy en día.

Voguing

Mucha gente aprecia que la moda, el baile, se originó en la escena del salón de baile de Nueva York. Sin embargo, el mundo posiblemente no sería más sabio si no fuera arrastrado (sin intención de juego de palabras) a la corriente principal por Madonna.

La escena de baile de Harlem se remonta a la década de 1960, cuando los jóvenes LGBTI -principalmente negros y latinos- comenzaron a congregarse en eventos de baile underground.

Una de las características de estos eventos fueron los desfiles de baile y las pasarelas, en los que los miembros de las”casas” se enfrentaron entre sí para mostrar su mejor aspecto y sus movimientos. Vogue’ significaba literalmente posar como protagonista de una sesión de fotos en la legendaria revista de moda.

 

La escena fue perfectamente capturada en el documental de Jennie Livingston de 1990, Paris Is Burning. La película mostró las habilidades de figuras clave como Willi Ninja. Fue muy aclamado en los festivales de cine de todo el mundo.

Fuera de la comunidad, una de las primeras personas que se dio cuenta de la escena del salón de baile fue el británico Malcolm McLaren. Tuvo un pequeño éxito británico con su tema de 1989, Deep in Vogue, que incluía a Ninja.

Sin embargo, un año después, el voguismo encabezó las listas de éxitos cuando Madonna lanzó su clásico, Vogue, con bailarines de moda en el video, dirigido por el aclamado director de cine David Fincher.

KD Lang en la portada de Vanity Fair

La canadiense Kathryn Dawn Lang comenzó su carrera en su Canadá natal a mediados de la década de 1980. Sin embargo, fue el álbum de 1988, Shadowland, que realmente comenzó a ganarse un seguimiento global. Sobre todo entre los oyentes LGBTI, que se dieron cuenta rápidamente de su estilo andrógino.

Salió en 1992 en una entrevista con The Advocate. En el mismo año lanzó su álbum de éxito, Ingénue, y el éxito global, Constant Craving.

 

En 1993, apareció en la portada de Vanity Fair. La icónica foto fue tomada por Herb Ritts y muestra a Lang, sentado en la silla de un barbero, que parece ser afeitado por la supermodelo Cindy Crawford. Era una imagen demasiado rara y desvergonzadamente extraña en la portada de una de las revistas de moda más grandes del mundo.

Aunque su carrera no ha llegado a los mismos niveles, Lang ha continuado grabando y haciendo giras con un grupo de seguidores devotos.

Las aventuras de Priscila, reina del desierto

El drama australiano fue la creación del guionista y director gay Stephan Elliot. La película de 1994 sigue el viaje emprendido por dos drag queens y una mujer trans de mediana edad mientras viajan de Sydney a Alice Springs para realizar una serie de espectáculos de arrastre.

El trío viaja en un viejo autobús que llaman Priscilla. Las pistas fueron tomadas por Terence Stamp, Huge Weaving y Guy Pearce. Entre los actores considerados de antemano se encuentran Tony Curtis, Rupert Everett y Jason Donovan.

La película fue un éxito en todo el mundo, con un público conquistado por el trío queer. Para empezar, el crítico estadounidense Roger Ebert, Bernadette, de Stamp, fue la figura clave de la película. En su reseña afirma: `el verdadero tema de la película no es la homosexualidad, ni las drag queens, ni el mundo del espectáculo, sino simplemente la vida de una persona de mediana edad atrapada en un trabajo que se ha vuelto agotador”.

Cualquiera que sea el atractivo, ha resistido. La película dio lugar a un musical de teatro, que debutó en 2006. Desde entonces se ha producido en unos 20 países, incluyendo el West End de Londres y el Broadway de Nueva York. Actualmente sigue funcionando en Italia, con otras producciones en fase de realización.

RuPaul

Cuando RuPaul’s Drag Race apareció por primera vez en Logo en 2009, era un reality show muy extraño que la mayoría de la gente presumía que podría durar una o dos temporadas. Ni siquiera Mamá Ru pudo predecir la fuerza del entretenimiento en la que se convertiría.

 

Cambió de Logo a VH1 en 2017, y ahora se está preparando para su undécima temporada. Ha ganado numerosos premios Emmy, incluso para el propio RuPaul en la categoría de Anfitrión Sobresaliente.

RuPaul Andre Charles’ nació en 1960 en San Diego, pero se mudó a Atlanta cuando tenía 15 años para estudiar artes escénicas. Su personaje drag queen nació en la década de 1980 (se le puede ver en el video de 1989 de Love Shack de los B-52).

La primera vez que probó el éxito de la corriente dominante fue con su éxito de baile, Supermodel, en 1993. Ha publicado numerosos álbumes desde entonces, pero es el éxito de Drag Race lo que ha eclipsado su carrera anterior.

Las primeras temporadas del programa ahora se pueden ver a través de Netflix, que puede ser transmitido en la mayoría de los países del planeta. Esto ha llevado a RuPaul a una audiencia global nunca antes vista para una drag Queen.

En 2017, fue incluido en la lista de las 100 personas más influyentes del mundo. Recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood a principios de este año.

Una versión británica de Drag Race, presentada por RuPaul, saldrá al aire a principios de 2019, mientras que el director JJ Abrams está trabajando en una serie biográfica llamada Queen sobre los comienzos de la carrera de Ru.

Janelle Monáe – Pynk

Cuando Janelle Monáe reveló a la revista Rolling Stone este año que es pansexual, trajo el tema de la pansexualidad a la corriente principal. Las búsquedas del término”pansexual” en Google se dispararon y encabezaron la búsqueda en el diccionario en línea Merriam-Webster.

La sexualidad de Monáe había sido objeto de especulaciones durante mucho tiempo. La propia cantante no ha sido tímida a la hora de aportar una sensibilidad extraña a su trabajo.

El video de Pynk, publicado poco antes de su entrevista con Rolling Stone, muestra a Monáe y otras mujeres bailando con trajes inspirados en la vagina y celebrando el amor de mujer a mujer. No hay ni un solo hombre a la vista.

El álbum padre de la canción, Dirty Computer, debutó posteriormente en el top ten de los Estados Unidos, el Reino Unido y Canadá.

El tiempo dirá si Monáe realmente logra el éxito de crossover que ella y su sello discográfico desean. Sin embargo, el vídeo de Pynk sigue siendo un glorioso momento de rareza en el paisaje pop.